Le disque emblématique de Jethro Tull, Aqualung, reste un jalon essentiel dans le répertoire du groupe et représente, pour beaucoup, une œuvre phare de la musique rock. Sa signification en tant qu'album révélateur pour Tull est incontestable, et il demeure une référence constante dans leur discographie. Alors que Jethro Tull a connu de multiples sommets musicaux, et que beaucoup considèrent l'album Thick as A Brick comme l'apogée du groupe, c'est la sortie de 1971, Aqualung, qui est restée dans la rotation classique du rock. Scott Allen Nollen, dans Jethro Tull: A History of the Band 1968-2001, rapporte qu'Ian Anderson a admis qu'Aqualung est perçu comme l'album séminal de Tull. L'odyssée musicale de Jethro Tull a débuté en 1968 avec un mélange dynamique de jazz, de blues et de rock. Après trois albums, le groupe s'est transformé en une puissance du rock progressif. L'auteur musical Andrew Grant Jackson a même classé Tull, aux côtés de Yes et ELP, parmi les trois meilleurs groupes de rock progressif britanniques.
La singularité d'Aqualung réside également dans son interprétation. Il est l'un des morceaux les plus mal compris de Tull. En surface, il semble simplement parler d'un personnage sinistre ayant de "mauvaises intentions". Cependant, il s'agit davantage d'un commentaire social que d'une auto-contemplation. La chanson commence par un riff de guitare saisissant, suivi de trois narrations vocales distinctes. Elle débute par l'observation impérieuse du premier narrateur sur Aqualung. Mais l'histoire se déplace ensuite vers le narrateur suivant, un reporter de radiodiffusion au ton clinique qui parle de « Sun streaking cold, An old man wandering lonely. » Cela mène au troisième narrateur, qui réfléchit à la situation d'Aqualung. L'histoire se conclut avec le personnage « sitting on a park bench », seul avec ses pensées dans le froid. Aqualung ne parle jamais pour lui-même, et il est douteux que quelqu'un l'écoute.
Pourtant, malgré son statut iconique, l'enregistrement d'Aqualung a toujours présenté des défis sonores. Il n'est pas rare, pour certains collectionneurs, d'accumuler de multiples pressages vinyle d'enregistrements problématiques à la recherche d'une copie de bonne qualité ; Aqualung de Jethro Tull en est un bon exemple. Certaines particularités de cet enregistrement étaient délibérées, comme l'effet "Tannoy" (a/k/a le "téléphone burble") sur les parties vocales de la chanson titre, qui est un effet astucieux. Cependant, la plupart des copies semblent manquer de clarté ou de basses, et il existe une variabilité considérable de la qualité sonore d'une piste à l'autre. Une partie de cela était apparemment due à l'adaptation à l'acoustique de la grande salle où le groupe enregistrait - une église désacralisée qui fut réaffectée pour les alors nouveaux studios Island à Basing Street. Les sessions sont créditées à John Burns en tant qu'ingénieur, qui a beaucoup travaillé avec Island à cette époque. Néanmoins, les diverses sorties commerciales du disque sont tout ce dont nous disposons.
Ian Anderson lui-même a partagé des détails sur le processus d'enregistrement. Les studios Island venaient d'ouvrir, et Led Zeppelin et eux travaillaient sur un album parallèlement. Il ne pense pas qu'aucun d'entre eux, que ce soit dans Jethro Tull ou au sein de Led Zeppelin, ait particulièrement apprécié de travailler là-bas à cette époque. Il y avait toujours des problèmes dans les nouveaux studios, notamment des problèmes d’écoute. Un entretien avec Burns, inclus dans le livret accompagnant le remix de Steve Wilson, discuté plus loin, indique que cela allait au-delà de l'ajustement à l'acoustique de la grande salle. Il y avait aussi des coupures de courant au studio et des basculements vers un générateur qui interrompaient ou affectaient certaines prises. Le groupe revenait d’une importante tournée américaine et avait une deadline très serrée. Il y avait beaucoup de pression sur le groupe à l’époque. Ils étaient fatigués, physiquement et émotionnellement parlant. Ils étaient devenus assez populaires aux États-Unis, et très populaires en Angleterre, en Allemagne et dans d’autres pays. Ian Anderson ne dirait pas qu'ils étaient déjà des stars, mais ils étaient probablement plus des stars que tous ces groupes qui défilaient dans l’émission Top of The Pops. Ce n’était pas un album simple à enregistrer, ni même amusant d’ailleurs.
Au-delà des défis techniques et logistiques, l'album Aqualung a longtemps été mal perçu comme un "concept album". Tout le monde a toujours cru qu’Aqualung était un concept album et qu’il était même l’un des premiers du genre. Mais ce n’est pas le cas, et ce ne fut pas le cas des albums qui suivirent d’ailleurs… Tout le monde pensait qu’il s’agissait d’un concept album parce que certains titres traitent d’un même sujet. Car si certains titres parlent en effet de sa vision de Dieu et critiquent les méfaits des religions, d’autres titres évoquent les sans-abri ou encore de ses angoisses d’adolescence. C'est également à cette période que se produit un autre changement dans la formation, avec l'ajout du claviériste John Evan, un musicien que l’on retrouvait déjà en "guest" sur Benefit. Enfin, Ian Anderson a mentionné une idée récurrente qui l'a obsédé sur plusieurs titres : cette idée du train, lancé à pleine vitesse, et complètement incontrôlable, tout comme la vie en fait.
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La Quête du Son Optimal : Une Analyse Détaillée des Pressages d'Aqualung
Étant donné l'importance de ce disque, il est pertinent de comparer le son de différents pressages, une pratique courante pour de nombreux audiophiles afin de trouver le pressage préféré. Ce disque a été remasterisé plusieurs fois par des labels audiophiles tiers au fil des ans, ce qui non seulement reflète sa popularité, mais révèle également diverses approches de différents ingénieurs de mastering pour extraire le maximum de puissance et de musicalité de l'enregistrement original.
Les Pressages Britanniques Originaux (Island Pink Rim)
Certaines copies britanniques portant les mêmes inscriptions ont été publiées sur le label Island pink rim. Selon certaines estimations, il ne s'agit pas d'une version très agréable du disque sur le plan sonore. Il y a très peu de basses, et l'ensemble de la présentation manque de dimension. Sur « Cross-Eyed Mary », la flûte a très peu de « souffle ». « Cheap Day Return » est moins exigeant, la guitare acoustique et les voix sont agréables et propres. « Mother Goose » sonne mieux que les pistes précédentes et la grosse caisse présente une certaine dynamique. « Wond’ring Aloud » a de la clarté, tant dans la voix que dans la basse, mais le piano semble être trop en retrait dans le mixage. La face 2 est un peu meilleure sur le pressage britannique. « My God » commence à un niveau de volume très bas, ce qui permet le « kick » lorsque les riffs de guitare arrivent ; cette piste et cette face semblent plus dynamiques que la face 1 et la flûte semble avoir un peu plus de souffle, mais il n'y a toujours pas de véritables basses profondes. « Hymn 43 » donne l'impression que tout commence à « 11 » et qu'il y a peu de headroom ; le son est très « plat », c'est-à-dire qu'il manque de dimension. Le piano, encore une fois, sonne « métallique », n'a pas de poids et pas d'harmoniques. « Locomotive Breath » présente un équilibre global décent sur le son du piano, mais l'instrument manque de poids. Une fois que la chanson prend de l'ampleur, le son est plus percutant et c'est l'une des pistes les mieux sonnantes de cette face.
Les Éditions Reprise : Une Sonorité Plus Ouverte
En explorant des options plus accessibles, les premiers disques « marron » du label Reprise sont souvent facilement disponibles dans les bacs d'occasion. Ces pressages anciens et moins coûteux méritent d'être étudiés aux côtés des éditions plus onéreuses. Ce disque est bien plus « ouvert » que le pressage britannique. Sur la chanson titre, il est possible d'entendre davantage la peau des tambours, mais dans l'ensemble, le disque semble encore un peu mince. Les cymbales sont plus faciles à entendre, avec des coups de baguettes plus distincts sur le métal et un peu plus d'éclat dans le son des cymbales lorsqu'elles résonnent, mais le disque semble toujours manquer de basses. Il est cependant plus percutant que le pressage britannique. « Cross-Eyed Mary » sonne moins « enfermé » que l'édition britannique, mais manque encore de véritable présence. Sur « Cheap Day Return », la voix est plus chaude et plus présente que sur l'édition britannique, et l'on peut entendre davantage le son des cordes de la guitare. « Mother Goose » bénéficie d'un bien meilleur son de grosse caisse et d'autres percussions (il est difficile de dire s'il s'agit d'un tabla, d'un tom-tom frappé à la main ou autre, mais c'est perceptible ici), et la voix s'ouvre vraiment bien sur le deuxième couplet. Le piano dans « Wond’ring Aloud » est plus proéminent et la voix est plus présente et en avant, mais frôle la sibilance (il ne s'agit probablement pas d'une mauvaise copie puisque les deux copies promotionnelles WLP sonnent ainsi et ce n'est pas gênant). La tonalité des « cordes » est également meilleure. « Up to Me » semble souffrir d'une certaine distorsion de sillon interne (ce qui est rarement un problème avec un bras de lecture latéral), mais les percussions sont très claires et nettes. La piste semble plus dynamique que la copie britannique.
Il existe des variations notables même parmi les pressages Reprise. Une copie avec « 1 C » dans le deadwax, apparemment pressée à l'usine de Santa Maria, est très bonne ; en fait, elle est assez proche du WLP et affiche le mot « Stereo » à 6 heures sur l'étiquette. Elle présente d'excellentes surfaces silencieuses et est connue pour avoir une sonorité « ajustée », caractéristique de nombreux « anciens » disques Mo-Fi. Cela n'est pas surprenant : le son est caractérisé par une « amplification des basses » sur tout le disque, ce qui donne plus de poids au piano et à la guitare acoustique, mais l'effet est une « lourdeur » plutôt qu'une véritable basse profonde. Le disque est dynamique mais l'égalisation devient parfois agaçante.
La Référence DCC et le White Label Promo (WLP)
Loin d'être lourd ou épais, le disque DCC est percutant et, dans certains cas, surpasse le White Label Promo (WLP) discuté précédemment. En comparant le DCC au WLP sur un certain nombre de passages, en les alternant, le WLP sonnait un peu plus dur, mais était également percutant. Sur le DCC, « My God » a un réel poids pour le piano (enfin !) et les éclaboussures de cymbales sont plus faciles à discerner. Il y a aussi du « souffle » pour la flûte. En revenant au WLP, ce dernier n'est pas aussi « chaud » au niveau du son, et la préférence personnelle pencherait probablement en faveur du DCC, mais le WLP a une excellente texture sur les guitares acoustiques, et lorsque la Les Paul de Martin Barre s'enflamme, cela se sent. Le WLP a été la référence pour un certain temps, mais avec une journée complète de comparaisons directes, le DCC est une fois de plus dans le top tier des remasters de ce disque.
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Certains aspects des enregistrements peuvent simplement être liés à la manière dont le piano a été microphoné ou au son du piano lui-même. Le piano est notoirement difficile à enregistrer correctement, et bien que je ne sois pas un expert en la matière, je sais ce qu'un grand piano peut sonner. J'ai possédé un grand et ancien Bösendorfer (qui sonnait très bien tant qu'il restait accordé, ce qui n'était pas le cas) et un Erard vintage (un autre grand piano ancien).
Classic Records : Des Versions Haute Fidélité
Les éditions Classic Records sont actuellement épuisées, mais depuis qu'Analogue Productions a repris la marque, il est possible que le label refasse surface (Chad dispose toujours de stocks neufs anciens, tout comme divers vendeurs tiers). Sur « My God », le piano n'a pas le poids du DCC mais offre plus d'« air » dans les hautes fréquences, ce qui se répercute également sur le son de la guitare acoustique - moins de poids, mais légèrement plus d'harmoniques. Dans l'ensemble, la version Classic 33 tours ne possède pas, à mon avis, autant de « vie » que le DCC ou le WLP. La piste titre dégage beaucoup d'énergie au niveau de la batterie et sonne plus brillante à mes oreilles. Le piano sur « Locomotive Breath » possède à la fois du poids et de bonnes harmoniques.
La version Classic 45 tours sur vinyle Clarity présente des spécificités. La vitesse de rotation plus rapide augmente sans doute la fidélité au prix de durées de lecture beaucoup plus courtes, réparties sur plusieurs disques. « Locomotive Breath » avait de l'« air », des harmoniques et plus de sustain sur le piano que la version 33 tours. Le DCC sonnait plus rond en comparaison. Sur la piste titre, le Classic 45 présentait la batterie de manière assez efficace en termes de « sound-staging », avec plus de dimension avant-arrière. Il est presque juste de dire que la différence entre le Classic Clarity 45 et le DCC est une question de préférence personnelle. Ayant également la version Classic 45 tours sur le vinyle noir Quiex plus « standard », il était intéressant d'entendre la différence entre les deux formulations. La différence n'était pas une question de « bruit » de surface en tant que tel. Ce vinyle Clarity 45 n'est pas en reste, même s'il a un certain prix. Une justification pour ajouter du noir de carbone à la résine thermoplastique était de modifier la conductivité du disque pour empêcher l'attraction de la poussière qui, une fois incrustée dans les sillons, crée du bruit. C'est précisément les propriétés électromagnétiques du vinyle noir que Classic Records prétendait éliminer avec sa formulation Clarity. Une autre raison était que le noir dissimulait mieux les problèmes de « dépôt ». L'effet du vinyle recyclé ne peut pas non plus être négligé. Il y a de nombreux remasters 45 tours qui sonnent de manière fantastique, mais cela n'est qu'un facteur parmi d'autres.
Le Remix de Steve Wilson : Une Révélation Numérique
Enfin, le remix de Steve Wilson, qui est dérivé des bandes multipistes plutôt que du mixage stéréo original, a été écouté. Il a été initialement publié dans le cadre d'un package deluxe. Le disque vinyle a été commercialisé en tant que produit autonome en mai 2015. Bien que le vinyle ait été tiré d'un fichier numérique, ce n'est pas une raison pour éviter ce disque. Au contraire, et malgré une forte préférence pour les enregistrements analogiques plus anciens, ce disque est assez étonnant. Ce qui est perceptible, c'est qu'il n'y a rien qui indique instantanément l'écoute d'un disque numériquement sourcé « mauvais ». D'une certaine manière, il n'était pas très éloigné des meilleures copies examinées précédemment, et les surpassait à certains égards, car le remixage de l'album a modifié les choses : plus de basses, des batteries percutantes et des cymbales claires ; la flûte était très articulée. Le disque a également été coupé plus fort que les autres, mais le « trouble » a également disparu. Il n'est jamais devenu strident, bien que comparé au DCC ou au Clarity 45, il présentait un début de note plus net. C'est probablement un juste compromis, compte tenu de ce que le remix apporte ; si l'on considère le prix, c'est un incontournable, même si l'on possède ou préfère certaines des autres versions. Si l'on recherche simplement une bonne copie sonore, sans fioritures dans la recherche du « bon » pressage, c'est probablement celle-ci. Le remix de Steve Wilson est une évidence absolue : il corrige beaucoup (pas tout) d'un enregistrement problématique et le fait sans « digititis » prononcée. En l'écoutant, on pensait constamment : « oh, c'est juste au bord de devenir peut-être nerveux/désagréable », mais cela n'est jamais arrivé. Au lieu de cela, Wilson a fait un excellent travail en mettant en bien plus grand relief les détails qui étaient perdus ou enfouis dans de nombreux pressages.
Facteurs Influant sur la Perception Sonore
Un facteur souvent ignoré lors de telles comparaisons est la différence de niveau de coupe ou de volume. Une autre variable majeure réside dans la préférence sonore personnelle, qui est également liée au système particulier sur lequel le disque est lu. En fonction des préférences sonores personnelles de l'auditeur et des forces ou faiblesses du système de lecture, on peut préférer un pressage particulier à un autre pour satisfaire son goût ou compléter la « signature » sonore d'un système donné.
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Malgré la nature apparemment exhaustive de cette « confrontation », il serait difficile de présenter cela comme une vue définitive de l'album Aqualung ultime pour plusieurs raisons. Outre les problèmes de biais de l'auditeur/système mentionnés ci-dessus, il existe souvent des variations de pressage à pressage, même parmi des copies par ailleurs identiques. De plus, il existe un grand nombre de sorties d'autres pays, sans parler des rééditions et des remasters au sein de chacun de ces pays, qui ne pouvaient simplement pas être couverts. Une autre chose à surveiller est la cohésion globale du son. C'est formidable si une copie particulière présente des détails de médium exceptionnels, mais pas si cela semble exagéré par rapport au reste du spectre sonore. Parfois, les pressages originaux ou les premières éditions « standard » sont plus « d'un seul tenant » que certains remasters audiophiles ; ces remasters peuvent sembler plus modernes, plus brillants ou offrir plus de détails au détriment de la cohésion globale. C'est donc un facteur à prendre en compte et à identifier chaque fois que possible.
En fin de compte, la recommandation est de trouver une première édition « standard » Reprise telle que décrite, qui correspond étroitement au WLP. Et d'acquérir la version Wilson.
Aqualung Redux : Quand le Stoner Rock Réinterprète Jethro Tull
Au-delà des innombrables pressages originaux et remasters, l'héritage d'Aqualung se perpétue à travers des réinterprétations contemporaines. L'utilisateur, né en 1974, a grandi avec le hard rock populaire de l'époque. N'étant pas un grand fan de Tull, et Aqualung étant un album que, bien qu'il en ait aimé certaines parties, il n'a jamais pu écouter entièrement, il s'est montré prudemment intéressé lorsque Magnetic Eye Records a annoncé la sortie de l'album dans le cadre de sa série Redux. L'espoir était que les groupes du genre stoner seraient capables d'insuffler une nouvelle vie à un album qui était pour lui "juste passable". L'image de la pochette des « Aqualung Redux » de divers artistes est à elle seule une invitation à la découverte.
Cependant, la piste titre, « Aqualung », fut la plus grande déception de cet album, à tel point que l'utilisateur a failli ne pas écouter le reste. C'est pourtant sa chanson préférée de Jethro Tull, et ces artistes ont fait de leur mieux pour la gâcher. Cette chanson avait tellement de potentiel dans le genre stoner, et les artistes choisis pour l'interpréter sont déroutants. Ce n'est même pas qu'ils soient mauvais dans ce qu'ils font, car ils sont très talentueux, c'est juste que, pour lui, cela ne correspond pas au contexte de l'original.
Malgré cette déception initiale, d'autres titres de l'album Redux ont su captiver. Le morceau « Locomotive Breath » interprété par The Well a permis de surmonter la déception de la première piste. The Well s'approprie ce titre tout en conservant l'esprit et l'ambiance de l'original. La sonorité de la guitare est appréciée, et la performance vocale est absolument merveilleuse. La version de « My God » par Huntsmen est écrasante, même pendant les sections de couplet plus calmes et contenues. Le mélange de voix masculines et féminines est une belle touche, chacune ajoutant sa propre contribution à ce qui est perçu comme une piste déjà exceptionnelle. Motorpsycho offre une version formidable de « Hymn 43 » et est le premier groupe à utiliser l'instrument pour lequel Jethro Tull est le plus connu… la flûte. Enfin, l'utilisateur a exprimé son excitation de voir The Sword revenir, car c'était l'un des premiers groupes de stoner qu'il avait découverts, avant même de connaître le genre ; le fait qu'ils reprennent sa deuxième chanson préférée de Jethro Tull l'a enthousiasmé avant même d'avoir écouté ce qu'ils avaient fait. Pour ce qui est des voix, il estime que c'est la performance la plus fidèle à l'original de cet album ; honnêtement, on pourrait en dire autant de la musique. D'autres titres remarquables incluent « Wind Up » de Domkraft et « Cheap Day Return » d'Osi And The Jupiter. Globalement, cette sortie est extrêmement solide, rivalisant même avec le Black Sabbath Vol. 4 Redux d'il y a quelques années.