L'univers de l'art contemporain est un vaste océan d'expressions, de techniques et de sensibilités. Parmi les innombrables sources d'inspiration, la culture du surf, avec sa puissance élémentaire et son mode de vie singulier, s'est imposée comme une muse intemporelle pour de nombreux artistes plasticiens. Cette fusion entre la force de la vague et la profondeur de la création artistique donne naissance à des œuvres qui captivent, interrogent et célèbrent la relation profonde de l'homme avec l'océan. Chaque artiste a sa singularité, et c'est à travers ces singularités que l'on perçoit la richesse de cette rencontre.
L'Énergie de la Vague, Source d'Inspiration Inépuisable
La puissance intrinsèque de la vague est un moteur créatif fondamental pour de nombreux plasticiens. Cette force de la nature, à la fois déchaînée et apaisante, se retrouve transposée dans des œuvres aux formes et aux couleurs diverses. Celle de Rémi Bertoche est celle d’une peinture débordante de couleurs, de surface, de productivité, d’énergie et doublée d’une vie tout aussi trépidante et insatiable, jouant à tout instant son va-tout. L’homme en est à son quatrième livre d’art auto-produit, mais sa vie est déjà un roman que même l’écrivain le plus narratif aurait peine à écrire. De fait, Rémi Bertoche, il faut arriver à le suivre ! Pour autant il a deux constances dans la vie : la vague que le surf lui a mis dans la peau et dont l’énergie aussi puissante que volatile, aussi cassante qu’enthousiasmante coule bel et bien désormais dans son sang. Ce lien viscéral avec l'océan façonne non seulement son art mais aussi son existence, révélant une productivité et une vitalité qui semblent directement puisées dans le déferlement perpétuel des vagues.
La mer, jamais statique et toujours en mouvement, offre des possibilités infinies d'interprétation. The Minimalist Wave est un artiste au trait leste, qui a choisi la vague comme muse et comme sujet. Il la décline alors seule ou bien accompagnée de personnages qui profitent tranquillement de sa beauté. Formé à la prestigieuse école des Arts Décoratifs (EnsAD), l’artiste mène une carrière de designer graphique. Épris de liberté, il dessine sa vague minimaliste avant tout pour lui. Depuis 2018, il reproduit cette vague - est-ce toujours la même ? - en noir et blanc. Cet autodidacte qui a grandi dans le Lot était pourtant plutôt un enfant de la terre, nourri d’art roman et de peintures rupestres dans une région qui en regorge. Aujourd’hui, il est aussi fasciné par le land art, cet art contemporain qui, comme il le dit si bien, « ne représente pas le monde », mais « l’incarne sans le dénaturer. L’artiste s’est posé la question : comment évoquer la mer dans son essence même ? Celle-ci est toujours en mouvement, jamais statique. Les lignes successives utilisées par l’artiste permettent justement de représenter ces fluctuations perpétuelles, ces ondoiements. En se multipliant, les lignes forment à elles seules, avec beaucoup de délicatesse, l’immensité des flots, leur beauté immuable. Quant à la couleur, elle se fait rarissime dans son œuvre. Ce travail graphique épuré fascine, planche après planche, toujours renouvelé, jamais copié, ni redondant. On découvre les ondes et l’écume en sujets de tableaux. Elles sont alors tantôt seules, tantôt accompagnées de surfeuses sans visage, parfaitement à l’aise dans leur élément. Selon les déclinaisons, l’océan peut tout aussi bien être vide, qu’habité de monstres marins. Souvent sérieuse, la mer se fait parfois onirique : elle est alors enfermée dans des bouteilles et autres aquariums, hantée par des Moaï, transformée en fragment de miroir ou en toile. On croirait alors voir des tableaux de Magritte en noir et blanc.
Pour d'autres, c'est la puissance tellurique du paysage qui sculpte l'artiste. Il y a une puissance des sculptures de Nathalie Pitel, elle-même forgée jusqu’à la fin de son adolescence par la puissance du paysage de la presqu’île de Crozon. Là où elle a surfé tout ce temps avant de partir faire les Beaux-Arts à Quimper et devenir, à 32 ans, sculptrice en pleine expression de son art. Cette connexion entre l'expérience personnelle, le territoire et l'art est essentielle, suggérant que l'artiste n'est pas seulement un observateur, mais aussi une partie intégrante de ce qu'il crée. La citation, reprise presque comme un mantra par l’artiste, est de Paul Virilio, urbaniste philosophe, penseur majeur du vingtième siècle par sa réflexion sur la vitesse et son rôle prescripteur dans le progrès moderne. Une vitesse, pour Virilio, qui fatalement se retourne à un moment ou à un autre en accident. Cette réflexion sur l'accident et la performance peut résonner avec la nature même du surf, où la recherche de la perfection de la glisse côtoie le risque constant de la chute.
Les Grandes Vagues d'Expositions : Le Surf à l'Honneur Culturel
Le surf, bien plus qu'un sport, est devenu un phénomène culturel et sociétal qui mérite sa place dans les institutions artistiques et muséales. De grandes expositions sur le surf, il n’y en a pas eu tant que cela, mais celles qui ont eu lieu ont marqué les esprits par leur originalité et leur profondeur. Citons cependant en France Sur la vague à la Corderie Royale à Rochefort en 2005, La dernière vague à La belle de mai, à Marseille, en 2013. Egalement 50 ans, puis 60 ans de surf à Biarritz en 2007 et 2017. Ces événements ont permis de mettre en lumière les multiples facettes du surf, de son histoire à son impact contemporain.
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Jusqu’au 5 janvier 2020, La déferlante surf a immergé le Musée d’Aquitaine et la ville de Bordeaux dans un océan d’objets, de planches, de photos, de tableaux, révélant puissamment le surf dans sa dimension sociétale, historique, créative, poétique… Inédit et unique. Un message de couleurs qui vivifie la teneur de notre époque grâce à une scénographie pleine d’exotisme. À ne pas manquer, ça vaut le détour. Cette exposition témoignait d'une reconnaissance institutionnelle de la richesse culturelle du surf, le présentant non pas comme une simple activité de loisir, mais comme un véritable phénomène capable d'inspirer et de questionner notre société. Au premier contact de l’individu, on peut se dire que l’homme est charpenté. Qu’il a même un visage de guerrier, pas tant de ceux qui ont un territoire à défendre, mais plus comme si son faciès avait été sculpté par un terroir. Cette description pourrait s'appliquer à ceux qui, comme Romain Quesada, aiment mettre les mains dans la terre… comme dans la mer, incarnant une connexion profonde et brute avec les éléments qui caractérise l'esprit du surf.
Le cinéma, lui aussi, s'est emparé du phénomène surf, comme en témoigne le Brest Surf Film Festival 2018. Au programme une sélection internationale et locale éclectique et raffinée, avec des surfeuses engagées, des interrogations existentielles, beaucoup de réalisatrices et des séances affichant complets, les quatre soirs de suite. Ces festivals ne sont pas seulement des lieux de projection, mais aussi des plateformes de dialogue sur les enjeux contemporains du surf, qu'ils soient environnementaux, sociaux ou philosophiques. Tout au bout du continent européen, à la pointe du Finistère, le complexe d’Océanopolis trône. Ce vaste bâtiment blanc, semblable à une soucoupe volante posée devant l’océan Atlantique, est avant tout un immense aquarium, où touristes et locaux viennent admirer requins et pieuvres, étoiles de mer et poissons tropicaux. Et entre les raies d’eau douce perlées et les poissons-clowns, les enfants surexcités et les badauds nonchalants, les parcours fléchés et les panneaux explicatifs colorés, le visiteur peut aussi profiter d’un cinéma. Ce contexte marin, propice à l'émerveillement et à la réflexion sur la biodiversité, offre un écrin naturel pour des discussions autour du surf et de l'océan.
Même les sciences sociales se sont penchées sur ce phénomène. Le surf et les surfeurs comme objet d’études scientifiques ! Qui l’aurait cru ? Du moins parmi ceux d’antan qui enjambèrent, par monts et par vaux, un mode de vie happé par la vague. Et pourtant l’intérêt des sciences sociales pour le surf n’est pas nouveau. Depuis plus d’une vingtaine d’années, des sociologues, des anthropologues dans nombre d’universités dans le monde ont posé leurs outils conceptuels de décryptage et d’analyse d’une communauté humaine, sur le phénomène surf irriguant la société moderne à sa façon, tant par ses vagabonds rêveurs toujours en cavale sur des crêtes échevelées que par ses organisateurs et autres entrepreneurs au pragmatisme sportif et commercial. Des beachbums aux JO en passant par quelques milliards, c’est vrai que ça peut faire un marqueur de notre société, montrant l'évolution et la complexité de cette culture.
Sculptures, Peintures et Photographies : La Vague sous toutes les Formes Artistiques
L'expression artistique inspirée par le surf se décline à travers une multitude de médiums, chacun apportant sa propre perspective sur le monde de la glisse. La sculpture offre une dimension tangible à l'immédiateté de la vague ou aux outils du surfeur.
La Sculpture : Figurations et Érosions du Monde du Surf
Dans le domaine de la sculpture, plusieurs artistes ont marqué les esprits par leur approche unique. Tous les surfeurs chevronnés seront surpris de voir qu’il s’agit d’une vraie planche, utilisable pour aller sur l’eau. D’abord exposé et mis en avant dans la galerie, on remarque en premier lieu la sculpture « Eroded surfboard » de Daniel Arsham. Elle fait partie de sa série de sculpture au thème « eroded », sauf que cette fois il s’agit d’une sculpture que l’on peut surfer. En effet il s’agit d’une vraie planche de surf, tout à fait fonctionnelle. La cristallisation et l’érosion d’objets de la vie courante sont le thème de prédilection de l'artiste Daniel Arsham. Moulées dans le plâtre, la résine ou le bronze, dans la calcite bleue ou verte, les sculptures de l’artiste New Yorkais sont ensuite dégradées, ou érodées par un procédé tenu secret. L’artiste contemporain laisse ainsi parfois apparaître des cristaux de quartz ainsi dévoilés. Daniel Arsham applique cette technique depuis une vingtaine d’année. Il simule ainsi des objets retrouvées plusieurs dizaines d’années ou plusieurs siècles après leur utilisation, et érodés par le temps. Oeuvrant dans les domaines de la sculpture, de l’architecture, du dessin et du cinéma, il crée des situations correspondant ambiguës, pour interpeller le spectateur, et met en scène ses sculptures comme ce qu’il appelle « des reliques futures du présent ». Ces moulages érodés d’objets modernes et de silhouettes humaines contemporaines sont réalisés à partir de matières géologiques telles que le sable, la sélénite ou la cendre volcanique, de façon à ce qu’ils semblent avoir été récemment découverts, après des siècles d’ensevelissement. Iconiques, la plupart des objets qu’il transforme en pierre font référence au XXe siècle ou au tournant du millénaire. Né à Cleveland, Ohio et élevé à Miami, Floride, Arsham avait 12 ans lorsque l'ouragan Andrew a détruit la maison de son enfance. Cet événement traumatisant est un thème récurrent dans son œuvre. Après avoir obtenu son diplôme, Arsham est retourné à Miami et a ouvert un espace d'exposition appelé « The House » avec plusieurs amis artistes. C'est grâce à The House qu'Arsham a rencontré Emmanuel Perrotin en 2004. La photo ci-dessous montre la Porsche érodée (eroded porsche) de Daniel Arsham. Très prolixe, en 2014, Arsham a créé une société de cinéma qu’il appelle Films of the Future. Cette société de production synthétise toute la production créative d'Arsham au cours de la décennie précédente, créant un cadre visuel dans lequel ses œuvres d'un autre monde et futuristes pourraient exister. Sa première série, Future Relic, se compose de neuf courts métrages qui dépeignent une civilisation future avant et après que la Terre subisse des changements écologiques majeurs.
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La deuxième planche de surf exposée, est une sculpture de l’artiste française Maeva Drack. Elle surprend immédiatement le spectateur avec ses couleurs flash, et ses pierres étincelantes. Il s’agit d’une vraie planche de surf, légèrement découpée en forme de morsure de requin ou de prédateur, et ensuite enduite de résine colorée. Pour terminer l’œuvre, l’artiste vient finalement déposer à la main des pierres et des cristaux. Maeva Drack propose également des skateboards sur le même principe, à savoir enduits de résine colorée et ornés de pierres minérales brillantes. Deux skateboards de Maeva sont exposés temporairement à la galerie. Encore peu utilisée à cette époque en France, elle comprend vite que c'est un matériau aussi bien compliqué à travailler que magnifique au rendu final. L’artiste a tendance à intensifier les couleurs, et rehausse la brillance avec des pierres naturelles. « Je suis heureuse aujourd'hui d'arriver à transmettre à mon public la sérénité et l'apaisement à travers mes œuvres, car c'est ce que cela me procure lors de la création de celles-ci » indique-t-elle.
Enfin, également en exposition à la galerie Class Art Biarritz, c’est le Surfeur de Rodin, une sculpture en résine de Romain Class, qui attire immédiatement l’attention. Déclinée en plusieurs tailles, et soit en œuvre unique, soit en multiple de 8, la sculpture représente un penseur de Rodin, grimé comme un surfeur avec short de bain, et des cheveux longs, en pleine méditation sur les vagues, et sur ses techniques de surf. Tous ceux qui se sont essayés au surf ont pu constater qu’il s’agit d’un sport extrêmement technique et complexe. Nombreuses sont les déceptions à la sortie de l’eau, ou quant à la rapidité de progression des surfeurs. Cette œuvre se distingue par sa grande qualité de finition, pour une sculpture en résine, et apporte une touche d'humour et de réflexion sur la complexité de cette pratique.
La Peinture : Capturer l'Essence et l'Émotion du Surf
La peinture, par ses nuances et ses techniques, offre une autre manière de saisir l'esprit du surf. Jean-Jacques Venturini, comme au cinéma, il peint des scènes de vie, des portraits figurés où la restitution du réel se laisse délicatement chahuter par un pouvoir fictionnel qui parle à chacun de nous. Il aime souligner la profondeur psychologique des personnages célèbres du show-biz et du cinéma, Marylin, Rihanna, Ray Charles, Jay Z et Beyoncé, Sean Penn, entre autres. Dans un autre exercice de style, lorsque l’artiste se concentre sur des scènes de vie, des personnages inconnus sont capturés dans l’intimité d’un environnement clos. Le magnétisme de leur personnalité est ainsi saisi avec une certaine authenticité. Il s’agit de questionner l’identité de l’individu et l’apparition de l’événement, la suspension d’un moment, pouvant suggérer une action à venir. Le peintre travaille la fiction comme un plan séquence. Le cinéma est un indéniablement une source d’inspiration dans son travail. Ses œuvres récentes telles que La chambre bleue ou Courant d'air, témoignent de scènes intérieures inspirées d’Edward Hopper. « Ce sont des scènes de genre. Je raconte le début d’une histoire qui est déjà contenu dans le titre, que chacun va interpréter et terminer à sa manière (…) Le but est de mettre l’accent non pas sur le portrait des personnages mais sur leurs occupations. La peinture à l’huile sur toile de lin est sa technique de prédilection. Le peintre a fait ses armes dans le milieu de la création et de l’édition, il transpose aujourd’hui sur toile son savoir-faire issu de l’impression, de la sérigraphie ou encore de la gravure. « Il y a ce que je vois à l’œil nu, et ce que je vois sur l’écran et au final l’interprétation que j’en fais sur ma toile encore vierge. La construction travaille en même temps la figure et l’espace. Les effets de relief et de profondeur sont renforcés par le soin harmonieux porté aux tonalités. Ce procédé chromatique interagit pour forger l’élan narratif. La narration s'imprègne du lien avec l’autre et de son environnement. Tensions, points de déséquilibres, détails percutants… La composition parle d’elle-même et persiste à donner du sens à la scène pour alimenter l’histoire. Ce procédé nous invite à nous placer dans la disposition d’écoute et de regard pour une meilleure compréhension. L’artiste conçoit ses identités peintes comme les illustrations d’une mémoire collective ; des représentations de soi, des caractères évidents de notre conscient et de notre inconscient. « Une scène de vie aboutie doit toucher la sensibilité du spectateur, en étant liée au souvenir d’un moment de vie, à une projection de soi, à un environnement connu. Je ne peins pas pour décorer des murs mais pour toucher des âmes. » Cette approche narrative et émotionnelle peut facilement trouver un écho dans les récits personnels que le surf engendre.
Christophe Mouginot surnommé “Hans” a un trop plein de vitalité et d’émotions qu’il transforme depuis l’adolescence en peinture et pratique du surf. Il a su créer un style unique, reconnaissable au premier regard. Son travail créatif s’inscrit pleinement dans le mouvement artistique du Surf-Art. Partez à la découverte de ses œuvres minimalistes où élégance, fluidité, mouvement, rappellent l’art de la calligraphie. Retrouvez ici même plus de 50 œuvres originales et reproductions signées. Pour chaque dessin il y a souvent une énergie et une technique différente, c’est pour cela que j’ai voulu donner un nom à chaque série. “L’Art c’est un rêve, une grande énergie que l’on met au service d’un objectif” disait Brel. Mon travail de création des personnages ou ma “ Calligraphie Surf ” si je puis me permettre, a commencé dans un avion me menant à Tahiti l’hiver 2018. J’avais dans les mains la version française du magazine Surfer’s Journal numéro 129 que j’apprécie beaucoup. Devant mes yeux, la deuxième page étant presque blanche, un appel à remplir ce vide. En effet trop pris depuis des années par mes activités professionnelles, j’avais laissé tomber mes pinceaux d’artiste. Voilà 6 Tableaux de Surf Art ou D’Art Surf qui décrivent assez bien, je l’espère, mon voyage de création artistique. Toute la panoplie des outils que j’utilise pour peindre, sont représentés dans ces tableaux, montrant une profonde connexion entre l'outil, l'inspiration et le geste artistique.
La Photographie : L'Instant Figé de l'Onde
La photographie de surf a également évolué, passant des techniques modernes à une redécouverte des origines. Bernard Testemale, plus que reconnu dans le métier, passé comme ses collègues, de la subtilité du diaphragme d’ouverture combinée à la qualité des optiques avec la pellicule argentique, à la course au meilleur capteur numérique faisant l’ivresse incessante de la colorimétrie pixélisée d’aujourd’hui, hé bien après tant d’expérience photographique, notre sexagénaire a décidé de revenir à l’origine de la photographie avec des prises de vues comme en 1850. La photo au collodion, il n’est pas le premier, ni le seul (voir SJ n°111), mais à tout le moins Bernard Testemale y a mis toute sa passion depuis six ans. Peut-être que cela lui rappelle la période (années 1980) où il était fabricant à Hendaye de dérives de windsurf, où il manipulait les produits, où il plongeait les mains dans la matière. Cette démarche met en lumière une quête d'authenticité et un retour aux sources, cherchant à capturer l'essence de la vague avec une profondeur et une texture uniques, rappelant l'époque où les mains étaient directement dans la matière. A propos Surfer’s Journal offre quatre fois par an une source incontournable de plaisir de lecture et de découvertes, montrant l'importance de la documentation visuelle et narrative dans la culture surf.
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Gravure et Techniques Mixtes : La Matière au Service de l'Expression Marine
Carol Surfboard est une artiste qui explore principalement la gravure et la peinture dans sa pratique artistique. Elle crée des œuvres où le métal est utilisé comme support pour ses gravures, donnant naissance à des portraits expressifs et texturés. Son travail se distingue par l'utilisation de techniques mixtes, combinant la gravure sur métal et la peinture sur papier, ce qui lui permet d'explorer différentes textures et effets visuels. Carol Surfboard s'inscrit dans un contexte artistique contemporain où la matière et la technique jouent un rôle essentiel dans la transmission de l'expression. Cette approche, en utilisant le métal comme un support à graver, apporte une dimension brute et intemporelle, faisant écho à la force et à la résilience de l'océan.
Engagement et Dialogue : L'Art du Surf face aux Enjeux Contemporains
L'art contemporain, lorsqu'il se nourrit du surf, ne se contente pas d'esthétiser la vague ; il peut aussi devenir un puissant vecteur d'engagement et de réflexion sur les enjeux majeurs de notre époque. Découvrir l’exposition de Gilles Barbier World Wide Wave à la Villa Beatrix-Enea à Anglet, c’est se prendre en pleine figure une vague d’exotisme à la fois surréaliste, humoristique et cosmique. Des slaps, des requins, des vagues, des glisseurs élevés au rang d’un territoire insulaire imaginaire pourvu de flèches stridentes pour frapper notre monde ordinaire. L’artiste contemporain dans tout son rôle d’impertinent, d’impénitent, d’exigeant. L’acronyme WWW de World Wide Wave n’est pas sans rappeler celui du World Wide Web dont la modernité a fait désormais notre ficelage quotidien. Accro à l’onde du web déferlant sur nos écrans, on en oublierait ce qui fait la spécificité de celle océanique qui déferle sur nos côtes. Barbier nous invite à une confrontation avec le réel, souvent déformé par le prisme du surréalisme et de l'humour, pour mieux nous questionner sur notre environnement et nos modes de vie.
L'artiste contemporain chinois Liu Bolin, mondialement connu pour ses œuvres de dissimulation dans le paysage, est venu spécialement avec son équipe dans les locaux de Surfrider Foundation Europe, à Biarritz, en juin dernier, pour réaliser deux performances artistiques sur fond de déchets. Artiste engagé, Liu Bolin, motivé par le travail de SFE, a décidé de cette action pour sensibiliser le plus grand nombre à la problématique des déchets plastiques. Aujourd’hui les différentes gyres de plastique tournoyant sur des kilomètres carrés dans les différents océans représentent ce qu’on appelle désormais le « septième continent ». La densité de microplastique y est parfois plus importante que celle du plancton. La prise de conscience commence à se faire. Malheureusement la demande de plastique ne cesse d’augmenter, pratiquement deux fois plus vite que PIB mondial. Cette intervention artistique, d'une pertinence aiguë, utilise le corps de l'artiste comme un caméléon pour fusionner avec la triste réalité de la pollution plastique, alertant ainsi sur l'urgence écologique.